EXPERIENCIAS MUSICALES Y OTRAS...

Romanticismo orquestal

2012-01-29T12:43:00.000+01:00

[26 de enero de2012. Ciclo Premium. Ludwig van Beethoven, "Obertura" de Fidelio, Sinfonía n. 5 en do menor. Piotr Ilych Chaikovski, Concierto para violín y orquesta en re mayor.Isel Rodríguez Trujillo, violín. Orquesta de Córdoba. Manuel HernándezSilva, dirección. Gran Teatro de Córdoba. 20:30 horas]

Las tres obras que sonaron en el quinto concierto de abono de la Orquestade Córdoba pueden escucharse como una interesante síntesis de lo que significóel movimiento romántico en el terreno orquestal. El oyente siente cómo se pasóde la extraordinaria contundencia tonal y rítmica de las obras de Beethoven enlos albores del período a las encantadoras pero relativamente decadentesconstrucciones formales de los finales, representadas el pasado jueves por el Concierto para violín y orquesta op. 35de Chaikovski.

Parece que una parte de la inspiración para esta obra, estrenada en Vienaen 1881, llegó al genial autor ruso tras la escucha de una reducción paraviolín y piano de la Sinfonía españolade Lalo, cuya frescura y ligereza manifestó admirar. Isel Rodríguez Trujillo,concertino de la Orquesta de Córdoba desde 1994, afrontó con solvencia lasextraordinarias dificultades técnicas del célebre concierto y ofreció unainterpretación que fue creciendo en calidad artística hasta merecer losprolongados aplausos del público y de sus propios compañeros de la orquesta.

Igualmente meritorias me parecieron las interpretaciones de la oberturade Beethoven que abrió la velada y de la sinfonía que la cerró. Aunque no deltodo libres de alguna vacilación rítmica o de eventuales imprecisiones dematiz, las dos lecturas hicieron justicia a estas maravillas del talentomusical.

AntonioTorralba

[Publicado en El día de Córdoba]

CINCO SIGLOS EN EL HOSPITAL REAL DE GRANADA

2012-01-23T07:36:00.002+01:00

Diez imágenes

PRÓXIMO CONCIERTO DE CINCO SIGLOS EN GRANADA

2012-01-05T11:15:00.000+01:00

VIERNES 20 DE ENERO

20:00 HORAS

GRANADA: Crucero del Hospital Real

GLOSAS DE PALACIO

El arte de la glosa en España desde los tiempos de los Reyes Católicos

I: RENACIMIENTO

Anónimo (S. XV)

Propiñan de Melyor, glosas instrumentales

Juan del Encina (1468-h. 1529)

Qu’ es de ti desconsolado, glosas instrumentales sobre un romance

Si habrá en este baldrés, glosas instrumentales sobre un villancico

Anónimo sefardí (Esmirna)

Triste estaba el Rey David, glosas instrumentales sobre una endecha

Anónimo (S. XV)

Enemiga le soy madre, glosas instrumentales sobre un villancico

Francisco de la Torre (h. 1460-h. 1504)

Dime triste corazón, glosas instrumentales sobre un villancico

Juan del Encina (1468-h. 1529)

Pedro y bien te quiero, glosas instrumentales sobre un villancico

II: BARROCO

Anónimo (S. XVII)

Folías, glosas instrumentales

Luis de Briceño (h. 1580-¿)

Dança llamada La Españoleta y Gran Chacona, danzas

Emilio de Cavalieri (h. 1550-1602)

Gran Duque de Florencia y Vuelta, glosas

Gaspar Sanz (1640-1710)

Españoletas, glosas

Anónimo (S. XVII)

Vacas, glosas instrumentales

Gaspar Sanz (1640-1710)

Villano, glosas instrumentales

Zarabanda, glosas instrumentales

CINCO SIGLOS

Miguel Hidalgo, vihuela y guitarra renacentistas/ guitarra barroca/ dirección

Antonio Torralba, flautas renacentistas/ flautas barrocas

Gabriel Arellano, viola renacentista/ violín barroco

José Ignacio Fernández, bandurria renacentista/ bandurria barroca

Daniel Sáez, rabel bajo y colachón/ violonchelo barroco

Antonio Sáez, percusión

GLOSAS DE PALACIO

El arte de la glosa en España desde los tiempos de los Reyes Católicos

Durante siglos, el arte de la glosa fue el arte. Era ejercicio (ars) antes que invención, desarrollo antes que idea; más recurrencia que ocurrencia. Crear consistía en frecuentar la tradición, explicarla, variarla para que no muriera. Se glosa lo que es seminal (y, por ende, inagotable), oscuro (y ha de observarse con detenimiento), admirable (y resiste a la asiduidad de la mirada); y, así, una glosa es tanto una explicación como un rodeo: un acercamiento tímido, una humilde peregrinación, una escalada; algunas pocas veces, también un alarde.

En música, la glosa (variación que compone o improvisa el músico sobre un esquema melódico y/o armónico preexistente) y lo que hoy llamamos arreglo o realización (adaptación de un material musical con vistas a una ocasión concreta) brotan de la misma esencia: el deseo de que la música sea siempre actual sin dejar por ello de reconocerse. Y así, en los albores de la música instrumental casi toda la producción gravita en torno al concepto de glosa. Se componen grandes misas sobre el tema de una canción de moda y se producen miles de realizaciones instrumentales y vocales sobre ciertos tañidos de fama, como la folia, la zarabanda, la pavana o la chacona. Se escriben tratados explicando las maneras de “echar diferencias” y se documenta incluso la censura a ciertos músicos demasiado proclives a exagerar el uso de la variación improvisada en ámbitos poco adecuados, como el de la iglesia.

Y es que la glosa, si bien fue señora de todas las músicas, brillaba especialmente en la intimidad de la cámara, en el regocijo privado de la sala. Allí, los músicos de instrumentos bajos (los de poco volumen, como las vihuelas o las flautas) desarrollaron un arte de gran sutileza.

La primera parte de este recital recrea esos ejercicios en los primeros tiempos del Renacimiento. Siguiendo los dictados de la tratadística de la época, “echamos glosas” sobre villancicos y romances de nuestros cancioneros de más temprana datación; y las hacemos sonar con los instrumentos que, según consta documentalmente, animaban las cámaras de doña Isabel y don Fernando, así como los aposentos, llenos también de música, del infante don Juan y otros grandes hombre del tiempo: las flautas de boj, las vihuelas de arco y de mano, los rabeles…

La segunda parte de nuestra velada pretende ofrecer pinceladas de la evolución posterior del arte de la variación sobre tañidos de fama, arte testimoniado en los libros de tecla y de guitarra, así como en otras fuentes que nos abren ventanas a las salas del XVII. Vicente Espinel dejó escrita en su Vida del Escudero Marcos de Obregón (1618) una evocadora descripción de la música que las llenaba: “la música instrumental de sala, tanto más tiene de dulzura y suavidad, cuanto menos de vocería y ruido, que, como el juez que es el oído, está muy cerca, percibe mejor y más atentamente las especies que envía al alma, formadas con el plauso de la media voz”.

Antonio Torralba

SANGRE VIENESA, SANGRE ESPAÑOLA

2012-01-04T09:29:00.000+01:00

[2 de enero de2012. Concierto de Año Nuevo. Federico Chueca, “Preludio” de La Gran Vía, “Preludio” de El Bateo. Johann Strauss II, Künstler leben, Vergnügungszug, Rosen aus dem Süden, Perpetuum mobile, Wiener Blut.Amadeo Vives, “Fandango” deDoña Francisquita. Pablo Sorozábal, “Preludio”de La del manojo de rosas. Franzvon Suppé, Ein Morgen, ein Mittag und ein Abend in Wien. Pablo Luna, “Preludio” de El niño judío. Antonio Álvarez, Suspiros de España. Gerónimo Giménez,“Intermedio” de Las bodas de Luis Alonso.Orquesta de Córdoba. Manuel Hernández Silva, dirección. Gran Teatro de Córdoba.20:30 horas]

Al igual que enla pasada ocasión, aunque con menos medios (sin coro, ni solistas), la Orquestade Córdoba ha repetido este año la fórmula eficaz de unir músicas españolas y austriacasdel repertorio clásico popular para celebrar la entrada del año nuevo. La ideaes bastante eficaz, no tanto por asuntos patrióticos como porque la chispeantezarzuela hispana es insulina para el posible exceso de azúcar de la sangrevienesa.

Trece piezas en programa, más dospropinas (El bello Danubio azul y Marcha Radetzky), fueron alternando losmundos no tan alejados de la zarzuela y la opereta, como con gracia y amenidadfue explicando el director Manuel Hernández Silva. Su simpática vitalidad,también verbal, fue crucial para animar una velada que, quizás sin ese empuje,hubiera podido parecer a algunos algo así como un “más de lo mismo pero yendo amenos”. Ya saben: el “merme”, que diría el cómico José Mota.

Pero, obviamente, no fueron sólo la vis comica del director (bien patente,por cierto, también en la inevitable propina) y sus atinados comentarios losque lograron burlar cierta amenaza de monotonía. Brillaron muchas cualidadesmusicales de él mismo y de la orquesta, algunas de las cuales, no porrepetidas, sería injusto dejar en el tintero. La veterana formación cordobesa mostrófrescura y calidad en todas sus secciones, con especial protagonismo de las deviento y percusión; el solista de cello Mikhail Milman realizó una estupendainterpretación de sus evocadores solos en la obra de Von Suppé; y HernándezSilva dejó bien claros tanto su maestría a la hora de insuflar vigor rítmico alos repertorios de base folclórica, como su hondo conocimiento de las finezasdel repertorio vienés.

Maravilloso, pero… no puedo ocultar que, respecto al programa, hubierapreferido algo distinto, algo nuevo para un año distinto quizás; para una nuevaépoca que no sólo debería ser como los finales apagándose del Perpetuum Mobile, la broma musical deStrauss: “und so weiter, und so weiter” (y así sucesivamente, y asísucesivamente).

AntonioTorralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

FELICES FIESTAS

2011-12-23T07:09:00.001+01:00

Los discos de CINCO SIGLOS

2011-12-13T13:56:00.002+01:00

PRÓXIMO CONCIERTO DE CINCO SIGLOS

2011-12-01T07:33:00.001+01:00

Tríptico Medieval. Las artes instrumentales en la España de las Tres Culturas

Lugar

Alcalá la Real, Iglesia Abacial del Castillo de La Mota

Fecha

Jueves, 8 de diciembre de 2011, 12.00 h.

Director

Miguel Hidalgo

Intérprete

CINCO SIGLOS

Componentes

Antonio Torralba, flautas

Gabriel Arellano, viola medieval

José Ignacio Fernández, cítola y bandurria medievales

Antonio Sáez, percusión

Miguel Hidalgo, laúd y guitarra medievales, dirección musical

Programa

PRIMERA PARTE

Tríptico I

Lorenzo da Firenze (m. ca. 1372)

Ritornello de cacica A ricolta bubu

Anónimo (siglo XIV)

Istanpitta Tre fontane

Anónimo (siglo XIV)

Danza Chançoneta tedescha I

Anónimo (siglo XIV)

Danza Lamento di Tristano-La Rotta

Anónimo (siglo XIV)

Danza Bel fiore dança

Tríptico II

Anónimo (siglo XIII)

Estampie La Quinte Estampie Real

Anónimo (siglo XIII)

Danza Dansse Real

Tassinus (siglo XIII)

Estampie Chose Tassin I

SEGUNDA PARTE

Tríptico III

Anónimo (siglo XIV)

Danza Cuncti simus concanentes

Anónimo (siglo XIV)

Danza Ad mortem festinamus

Alfonso X el Sabio de Castilla (1221-1284)

Cantiga A madre do que livrou

Cadenet (ca. 1160-ca. 1235)

Alba S’anc fui belha ni prezada

Alfonso X el Sabio de Castilla

Cantiga Maravillosos e piadosos

Notas programa

Tríptico Medieval

Antonio Torralba

En los libros más antiguos, en los capiteles y pórticos que, para nuestro deleite, han escapado a la incuria del tiempo nos sorprenden a veces imágenes de músicos que tañen laúdes y flautas, violas y chirimías. Sones de trovadores, músicas para la fiesta y el amor, aires andalusíes y danzas de juglares llenaron hace siglos las tardes de los reyes, las veredas de los peregrinos, las noches de una plaza en primavera. La mayoría de los instrumentos que hicieron sonar aquellos aires entraron en Europa por esa puerta de saber y refinamiento que fue durante siglos Al-Ándalus; y se occidentalizaron en las cortes de Alfonso X de Castilla antes de continuar una ruta no menos fértil hacia el norte. Las veladas musicales que se tenían en aquellas espaciosas salas de Sevilla y Toledo, cuando un sabio monarca impulsaba la más ingente labor cultural del Medievo, fundían lo más bello que Oriente y Occidente aportaban al arte de los sonidos. A ellas dedicamos la parte final de la tercera tabla de nuestro Tríptico, que también muestra una pincelada de la danza religiosa de la Baja Edad Media, singularmente a través de la famosa "danza de la muerte" conservada en el monasterio benedictino de Montserrat.

Pero el paisaje medieval que las músicas llegadas de aquellos lejanos siglos nos permiten evocar es sorprendente. La pieza que abre nuestro recital, por ejemplo, ha podido retener en su singular estribillo la evocación de los toques de trompa que llaman a la caza. Nos sirve de preludio a la primera tabla de nuestro tríptico, centrada en el refinado arte de la danza italiana del Trecento. Nuestro recorrido por los escenarios de la música de baile medieval nos lleva, en el segundo de los lienzos que lo articula, hasta los manuscritos más antiguos de cuantos hoy conservan colecciones de música para danzar: el conocido como Le manuscrit du Roy de la Biblioteca Nacional de París y el H 196 de la Biblioteca de la Escuela de Medicina de Montpellier. Ofrecemos dos bulliciosas estampies (principal forma instrumental de la época) y una solemne danza real.

CINCO SIGLOS EN LA CLAUSURA DEL CONGRESO SOBRE GÓNGORA

2011-11-21T09:18:00.001+01:00

19 de noviembre de 2011. 13:00 horas. Salón Mudéjar del Rectorado de la Universidad de Córdoba

CONCIERTO DE CINCO SIGLOS

2011-11-17T17:38:00.001+01:00

SÁBADO, 19 DE NOVIEMBRE DE 2011

13:00 HORAS

SALÓN MUDÉJAR. RECTORADO UNIVERSIDAD DE CÓRDOBA

CONGRESO INTERNACIONAL: EL UNIVERSO DE GÓNGORA

Entrada libre hasta completar aforo

.......

CUERDAS MUEVE DE PLATA

Góngoraentre los músicos de su tiempo

Anónimo(S.XVII)

Folías,glosasinstrumentales

Bartoloméde Selma y Salaverde (h.1580-h. 1638)

Gallarday Corrente, danzas

Luisde Briceño (h.1580-¿)

Dançallamada La Españoleta y Gran Chacona, danzas

AndreaFalconiero (1585-1656)

Gallarda,La Monarca y Brando dicho el Melo, danzas

Luisde Góngora (1561-1627)[Atribuidas]

Gallarda,Pasacalle y Jácara,

Emiliode Cavalieri (h.1550-1602)

GranDuque de Florencia y Vuelta, glosas

Anónimo(S.XVII)

Marizápalos,glosas

Santiagode Murcia (1673-1739)

Zarambequesy Fandango, danzas

PabloMinguet e Yrol (1736-1801)

Seguidilla,danza

Santiagode Murcia (1673-1739)

LaJota,danza

CINCO SIGLOS

Miguel Hidalgo, guitarra barroca y dirección

Antonio Torralba, flautas

Gabriel Arellano, violín barroco

José Ignacio Fernández, bandurriabarroca

Daniel Sáez, violonchelo barroco

Antonio Sáez, percusión

CUERDAS MUEVE DE PLATA

Góngoraentre los músicos de su tiempo

Los tiempos que median entre las vidasde Velázquez y Goya acogieron el tercer gran momento de la música hispana parainstrumentos.

El primero,lleno de laúdes, rabeles y axabebas, correspondió a la baja Edad Media y estámarcado por la compleja realidad mudéjar. El segundo, el pleno Renacimiento delos violones, las vihuelas y los órganos, supone la particular visión autóctonadel arte europeo de la glosa. Y este tercero, rebosante de seguidillas,zarabandas, jotas, españoletas y fandangos, viene a culminar los dos anteriores,teniendo como especiales protagonistas a la guitarra barrocade cinco órdenes y a su pequeña compañera, la bandurria. Ambassuponen la cristalización de emblemáticos instrumentos que anduvieron entre lasmanos de los músicos españoles desde muy antiguo. Desde ese primer momento aque aludíamos, suenan en las miniaturas del rey Alfonso X y entrelos juglares del Libro de Buen Amor; y, luego, en losmesones y plazuelas de la novela picaresca, en los versos de los cancioneros,en las comedias de Lope de Vega y en el arte sutil de Luis de Góngora, él mismotañedor.

En efecto, yaunque esto último no es muy conocido, Góngora fue músico. Y no ya sólo porqueamara las palabras: su timbre, el ritmo grave o alegre con que se ordenan enlos versos, los juegos con que imitan los sonidos del mundo… Buscaba también lacompañía de los instrumentos músicos, a cuyo arrimo engañabas las horas de losdías perezosos, con cuyo ejercicio modulaba la melancolía. Don Luis de Góngoray Argote, el príncipe de los poetas españoles, tocaba la bandurria y laguitarra (llegó a ir a juicio al negarse a devolver una que le habían prestado)y frecuentaba a comediantes y tañedores por ser –son sus palabras- “tanaficionado a la música”.

Lasegunda parte abunda en la larga vida que aquellas danzas y tañidos forjados enel primer barroco español tuvieron en el mundo del teatro y de las escuelas debaile; en los ambientes populares y cortesanos.

Junto a lasventanas que los lienzos de Sánchez Cotán, Velázquez o Zurbarán abren sobrenuestros Siglos de Oro hay un suave son de instrumentos músicos quelos inunda, que da tibieza a los cuerpos que salen de la oscuridad,sentido a sus gestos, sabor a los manjares de los bodegones, aromas al vino olas flores… Pudieran ser algunos de los que suenan hoy para ustedes.

Antonio Torralba

CINCO SIGLOS

Desde 1990, fecha de sufundación, el GRUPO CINCO SIGLOS viene dedicándose al estudio y difusión de losrepertorios instrumentales más desconocidos de la llamada música antigua, conespecial énfasis en aquellos que se mueven en la feraz frontera entre lo cultoy lo popular. En los comienzos, eltrabajo se centró en los repertorios medievales, aunque desde hace algunosaños, el grupo viene dedicándose también a las músicas del Renacimiento y elBarroco.

Fruto de todos estos trabajoshan sido numerosas producciones de concierto, varios registros fonográficos ydiversas publicaciones científicas.

Los recitales de CINCO SIGLOS (tales como TRÍPTICOMEDIEVAL, DANZAS DE LA EDAD MEDIA EUROPEA, MÚSICAS DE LA ESPAÑA MUDÉJAR, AIRESY DANZAS DEL BARROCO HISPANO, GLOSAS DE PALACIO, etc.) han sido llevados conéxito a los más prestigiosos festivales europeos: Royaumont, Chateau de laRoche-Guyon, París, Bolonia, Segovia, Torrechiara, Sarajevo, etc.

Las grabaciones discográficas, de gran reconocimiento porparte del público y la crítica, han sido: UNOS TAN DULÇES SONES (1995), DANSSEREAL (1996), MÚSICAS DE LA ESPAÑAMUDÉJAR (1997), BEL FIORE DANÇA (1999), SONES DE SEFARAD (2001), IBAN TAÑENDO(2003), UNA DANZA A SONARE (2003), GLOSAS NUEVAS SOBRE VIEJAS DANZAS (2006).SONES DE PALACIO, BAILES DE COMEDIAS (2008) y CUERDAS MUEVE DE PLATA (2011). CINCO SIGLOS ha realizado grabacionespara radio y televisión, y ha colaborado en la película de Carlos Saura,Iberia (2005).

Las investigaciones del grupo (sobre repertorios, interpretación,organología, iconografía musical, etc.) han ejercido un influjo constatable en losdiversos campos de la música histórica.

CINCO SIGLOS EN CLÁSICOS ANDALUCES DE CANAL SUR RADIO

2011-11-13T20:14:00.001+01:00

Fragmento del postcad del programa del día 12/11/2011

CINCO SIGLOS EN CAZORLA

2011-10-31T16:41:00.001+01:00

Edición 2011

Concierto

‘Cuerdas mueve de plata’. Góngora entre los músicos de su tiempo

Lugar

Cazorla, Teatro de la Merced

Fecha

Sábado, 12 de noviembre de 2011, 20.00 h.

Director

Miguel Hidalgo

Intérprete

CINCO SIGLOS

Componentes

Antonio Torralba, flautas

Gabriel Arellano, violín barroco

José Ignacio Fernández, bandurria barroca

Daniel Sáez, violonchelo barroco

Antonio Sáez, percusión

Miguel Hidalgo, guitarra barroca y dirección

Programa

PRIMERA PARTE

Anónimo (siglo XVII)

Folías, glosas instrumentales

Bartolomé de Selma y Salaverde (ca. 1580-ca. 1638)

Gallarda y Corrente, danzas

Luis de Briceño (ca. 1580-?)

Dança llamada La Españoleta y Gran Chacona, danzas

Andrea Falconiero (1585-1656)

Gallarda, La Monarca y Brando dicho el Melo, danzas

Luis de Góngora (1561-1627), atribuidas

Gallarda, Pasacalle y Jácara

(Manuscrito 4118 de la Biblioteca Nacional, Madrid)

SEGUNDA PARTE

Emilio de Cavalieri (ca. 1550-1602)

Gran Duque de Florencia y Vuelta, glosas

Anónimo (siglo XVII)

Mari Zápalos, glosas

Santiago de Murcia (1673-1739)

Zarambeques y Fandango, danzas

Pablo Minguet e Yrol (1736-1801)

Seguidilla, danza

Santiago de Murcia

La Jota, danza

CONMEMORACIÓN DEL 450 ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DE LUIS DE GÓNGORA Y ARGOTE (1561)

Notas programa

Cuerdas mueve de plata

Antonio Torralba

Los tiempos que median entre las vidas de Velázquez y Goya acogieron el tercer gran momento de la música hispana para instrumentos. El primero, lleno de laúdes, rabeles y axabebas, correspondió a la baja Edad Media y está marcado por la compleja realidad mudéjar. El segundo, el pleno Renacimiento de los violones, las vihuelas y los órganos, supone la particular visión autóctona del arte europeo de la glosa. Y este tercero, rebosante de seguidillas, zarabandas, jotas, españoletas y fandangos, viene a culminar los dos anteriores, teniendo como especiales protagonistas a la guitarra barroca de cinco órdenes y a su pequeña compañera, la bandurria. Ambas suponen la cristalización de emblemáticos instrumentos que anduvieron entre las manos de los músicos españoles desde muy antiguo. Desde ese primer momento a que aludíamos, suenan en las miniaturas del rey Alfonso X y entre los juglares del Libro de Buen Amor; y, luego, en los mesones y plazuelas de la novela picaresca, en los versos de los cancioneros, en las comedias de Lope de Vega y en el arte sutil de Luis de Góngora, él mismo tañedor.

En efecto, y aunque esto último no es muy conocido, Góngora fue músico. Y no ya sólo porque amara las palabras: su timbre, el ritmo grave o alegre con que se ordenan en los versos, los juegos con que imitan los sonidos del mundo… Buscaba también la compañía de los instrumentos músicos, a cuyo arrimo engañabas las horas de los días perezosos, con cuyo ejercicio modulaba la melancolía. Don Luis de Góngora y Argote, el príncipe de los poetas españoles, tocaba la bandurria y la guitarra (llegó a ir a juicio al negarse a devolver una que le habían prestado) y frecuentaba a comediantes y tañedores por ser -son sus palabras- "tan aficionado a la música".

En el manuscrito 4118 de la Biblioteca Nacional de España, uno de los considerados buenos de entre los que transmiten las obras del poeta, hay varias piezas de bandurria que los especialistas consideran salidas de la inspiración musical de Góngora, o, al menos, habituales del repertorio que lleno sus soledades. Las hemos incluido en nuestro recital, dos de ellas en versión de cámara ("música de sala" se decía a la sazón), y las hemos rodeado, en la primera sección, de otras de autores coetáneos (Bartolomé de Selma, Luis de Briceño y Andrea Falconiero) y anónimas. La segunda parte abunda en la larga vida que aquellas danzas y tañidos forjados en el primer Barroco español tuvieron en el mundo del teatro y de las escuelas de baile; en los ambientes populares y cortesanos. Junto a las ventanas que los lienzos de Sánchez Cotán, Velázquez o Zurbarán abren sobre nuestros Siglos de Oro hay un suave son de instrumentos músicos que los inunda, que da tibieza a los cuerpos que salen de la oscuridad, sentido a sus gestos, sabor a los manjares de los bodegones, aromas al vino o las flores… Pudieran ser algunos de los que suenan esta noche.

Curriculum Intérprete

Cinco Siglos. Desde 1990, fecha de su fundación, Cinco Siglos viene dedicándose al estudio y difusión de los repertorios instrumentales más desconocidos de la llamada música antigua. Durante muchos años, el trabajo se centró en la Edad Media. Fruto de estos trabajos han sido numerosas producciones de concierto, varios registros fonográficos y diversas publicaciones científicas. Los recitales de Cinco Siglos (tales como Tríptico Medieval. Danzas de la Edad Media Europea, Sones de Sefard o Música medievales del Mediterráneo Occidental y, más recientemente, los dedicados a repertorios renacentistas y barrocos) han sido llevados con éxito a los más prestigiosos festivales europeos: Royaumont, Chateau de la Roche-Guyon, París, Bolonia, Segovia, Torrechiara, Sarajevo, etc. Las grabaciones discográficas, de gran reconocimiento por parte del público y la crítica, han sido: Unos tal dulçes sones (1995), Dansse Real(1996), Músicas de la España Mudéjar (1997), Bel fiore dança (1999), Sones de Sefard (2001), Iban tañendo(2003), Una danza a sonare (2003), Glosas nuevas sobre viejas danzas (2006), Sones de Palacio, bailes de comedias (2008) y Cuerdas mueve de plata (2011). Cinco Siglos ha realizado grabaciones para radio y televisión, y ha colaborado en la película de Carlos Saura, Iberia (2005). Las investigaciones del grupo (sobre repertorios, organología, iconografía musical, etc.) han ejercido una notable influencia en el panorama de la música antigua.

Antonio Gala y Antonio Banderas

2011-10-27T23:27:00.000+02:00

Muchos parecidos se los inventa uno directamente. Pero, ¡lo que se parecen Antonio Banderas y Antonio Gala!

BELLEZA Y EMOCIÓN

2011-10-22T09:18:00.003+02:00

[20 de octubrede 2011. Concierto de inauguración de la Temporada de Abono. Ludwig vanBeethoven, Sinfonía n. 1 en do mayor, op.21. Antonin Dvorak, Sinfonía n. 8 ensol mayor, op. 88. Orquesta de Córdoba. Manuel Hernández Silva, dirección. GranTeatro. 20:30 horas]

En estos tiemposde recortes culturales, cuando tantas orquestas de España pudieran empezar aser la del Titanic, cada concierto parece valorarse con especial empatía, cadaprograma musical, por tradicional que sea o repetido que parezca, se tiñe deemociones tan nuevas e intensas como si hubiera sido creado ayer.

La Orquesta de Córdoba y su director volcaron el jueves sus talentos endos obras magníficas del principio y del final del sinfónico siglo XIX: la Primera (1800) de Beethoven y la Octava (1890) de Dvorak. Ambas sinfoníastienen en común la solidez formal, el encanto de sus cautivadores tercerosmovimientos y el protagonismo otorgado a la sección de viento.

Los tres aspectos fueron puestos de manifiesto con gran eficacia por laformación cordobesa. El entusiasta y musical Hernández Silva estuvo muyacertado en la elección de los tempiy en el manejo de todos los parámetros que resaltan la belleza clásica yromántica de estas dos obras intemporales. El Minuetto allegro molto vivace(en realidad, un germen ya de los scherzibeethovenianos) fue transmitido con un espíritu acorde a la vehemencia que lamúsica trasmite desde su arranque. Y la misma eficacia pudo sentirse en eltiempo análogo de la obra de Dvorak: ese allegrettograzioso, cuya primera melodía es un inolvidable vals melancólico. Lasdifíciles partes de maderas y metales fueron resueltas a bastante buen nivel yla orquesta mostró a las claras su enorme calidad y su capacidad para seguir ofreciéndonospor mucho tiempo arte y cultura.

Los clásicos lo son porque siguen comunicando y ganando batallas muchodespués de muertos. Sólo hacen falta receptores a la altura y, en el caso de lamúsica, intérpretes que hagan lo que hicieron el jueves director y orquesta:tocar con pasión y entrega.

AntonioTorralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

CONGRESO INTERNACIONAL SOBRE GÓNGORA

2011-10-21T17:13:00.000+02:00

Información aquí

Pierre Menard

2011-10-11T10:15:00.000+02:00

Es una revelación cotejar el Don Quijote de Menard con el de Cervantes. Éste, por ejemplo, escribió (Don Quijote, primera parte, noveno capítulo):

         ... la verdad, cuya madre es la historia, émula del tiempo, depósito de las acciones, testigo de lo pasado, ejemplo y aviso de lo presente, advertencia de lo por venir.

         Redactada en el siglo diecisiete, redactada por el “ingenio lego” Cervantes, esa enumeración es un mero elogio retórico de la historia. Menard, en cambio, escribe:

         ... la verdad, cuya madre es la historia, émula del tiempo, depósito de las acciones, testigo de lo pasado, ejemplo y aviso de lo presente, advertencia de lo por venir.

         La historia, madre de la verdad; la idea es asombrosa. Menard, contemporáneo de William James, no define la historia como una indagación de la realidad sino como su origen. La verdad histórica, para él, no es lo que sucedió; es lo que juzgamos que sucedió. Las cláusulas finales —ejemplo y aviso de lo presente, advertencia de lo por venir— son descaradamente pragmáticas.

(Jorge Luis Borges, "Pierre Menard, autor del Quijote" en El jardín de senderos que se bifurcan, 1941; y en Ficciones, 1944)

CONGRESO INTERNACIONAL SOBRE GÓNGORA

2011-10-08T10:38:00.000+02:00

Dirigido por el profesor de la Universidad de Córdoba don Joaquín Roses Lozano, entre los días 14 y 19 de noviembre tendrá lugar en Córdoba (Rectorado de la Universidad) un importante congreso dedicado a la figura de don Luis de Góngora y Argote con motivo del 450 aniversario de su nacimiento. Llevará por título "El universo de Góngora: orígenes, textos y representaciones" y en él participarán:

Pablo García Baena

Antonio Carreira

Melochora Romanos

Amelia de Paz

María José Osuna Cabezas

Antonio Cruz Casado

Antonio Pérez Lasheras

Enrica Cancelliere

Daniel Waissbein

Laura Dolfi

Carlos Clementson

María Luisa Amores

Joaquín Roses

Julio Neira

Giulia Poggi

Jesús Ponce

Crystal Chemris

Martha Lilia Tenorio

Teodosio Fernández

Mercedes Blanco

Pere Gimferrer

Pueden presentarse comunicaciones sobre el asunto general del congreso que habrán de enviarse antes del 30 de octubre al Comisario General (Joaquín Roses: fe1roloj@uco.es).

Correspondencia:

Ponentes, comunicantes y asuntosacadémicos:

JoaquínRoses

Comisario General del Congreso

Departamento de Literatura Española

Facultad de Filosofía y Letras

Plaza del Cardenal Salazar, 3

14071 – Córdoba

España

Tfs. 957 218 792

fe1roloj@uco.es

Organización técnica:

MercedesTirado

Delegación de Cultura

Diputación de Córdoba

Plaza de Colón, 15

14071 – Córdoba

España

Tfs. 957 211 109

mtirado@dipucordoba.es

Inscripciones:

CarmenSerrano

Delegación de Cultura

Diputación de Córdoba

Plaza de Colón, 15

14071 – Córdoba

España

Tfs. 957 211 184

cultura2@dipucordoba.es

NOTA:
El blog EXPERIENCIAS MUSICALES Y OTRAS quiere contribuir a la difusión de este importante congreso mediante la presente entrada. No nos responsabilizamos de los cambios que pudiere haber, ni de la perfecta transcripción de la información recibida, extremos ambos que deberán ser comprobados por los potenciales interesados.

Armonía

2011-10-08T09:15:00.000+02:00

[6 de octubre de2011. Concierto Extraordinario de Reapertura del Teatro Góngora. Ludwig vanBeethoven, Concierto para violín yorquesta en re mayor, op. 61. Johannes Brahms, Sinfonía n. 1 en do menor, op. 68. Amaury Coeyteaux, violín. Orquestade Córdoba. Manuel Hernández Silva, dirección. Teatro Góngora. 21:00 horas.]

Desde los golpesde timbal con que arranca el sublime concierto de Beethoven, la emociónprotagonizó la velada musical del jueves en el Teatro Góngora. Un numeroso público,formado en buena parte por políticos y representantes de la vida culturalcordobesa, se congregaba para celebrar la reapertura del teatro, que pretendesumarse a la promoción de las artes escénicas en una ciudad que aún ha deavanzar mucho en ese campo. Desde los cuatro suaves golpes de timbal con quecomienza el despliegue del maravilloso poema sonoro de Beethoven, hasta lachispa rítmica de la propina de Ruperto Chapí que cerró el acto, quienesasistíamos al evento quedamos gratamente sorprendidos por la acústica hermosa yclara del lugar, magníficamente rehabilitado desde la premisa que mejor sientaa la arquitectura: la austeridad en el presupuesto. La Orquesta de Córdoba sonóde una manera nueva y brilló a un alto nivel, tanto acompañando al jovenvirtuoso francés Amaury Coeyteaux, larga y justamente aplaudido, como haciendosonar la intensa versión que su director ofreció de la otra joya de la noche:la primera de las sinfonías de Johannes Brahms.

A la armonía entre acústica arquitectónicay talentos musicales varios, se sumó la del contenido de los breves discursosque también encontraron su sitio en la velada. Tanto el concejal de cultura ypresidente del IMAE como el alcalde de la ciudad tuvieron palabras cálidas deagradecimiento para todos los que habían trabajado en el proyecto, incluyendoespecialmente a los responsables de anteriores corporaciones. Y dejaron clarosu compromiso con el futuro de la orquesta. También Hernández Silva, que hablóal comienzo de la segunda parte, añadió su granito de arena sugiriendoigualmente una armonía entre todas las artes como forma de rentabilizar losescasos recursos que auguran estos tiempos de crisis. Ojalá se trabaje cada díapor la cultura de Córdoba desde las premisas que se expresaron y se sintieronel jueves en el nuevo Teatro Góngora.

AntonioTorralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

FINLANDIA

2011-09-15T14:21:00.002+02:00

FACETHOVEN

2011-09-09T19:37:00.001+02:00

Josep Tubau

2011-08-29T19:38:00.003+02:00

Los buenos amigos nos ayudan a conocernos, a explorar facetas de nuestra personalidad que, sin su estímulo o inspiración, hibernarían quizás.

Josep Tubau y su esposa Pilar Ramos dedican muchas horas de su vida a construir flautas; pero a quien visita su taller lo que fascina no es tanto el resultado a menudo excelente de esa labor, como el contexto que la rodea: ese ambiente en el que la humildad auténtica, la sabia curiosidad, la generosidad, la inteligencia y la bondad convierten cada minuto allí en un ejercicio espiritual de altura. Y propician el empeño que he visto en Josep desde que lo conozco hace ya más de un cuarto de siglo: aprender, llegar a entender mejor los asuntos de que se ocupa. Por ejemplo, encontrando las preguntas adecuadas.

Por eso el taller es una grata amalgama de rincón artesano y laboratorio científico que sus propios creadores gustan mirar con humor.

Digo que amigos como estos nos estimulan, porque uno sale de allí con el propósito de hacer las cosas también un poco así.

Conviene también estar a la expectativa de hechos como éstos

2011-08-04T17:38:00.001+02:00

2. Conviene también estar a la expectativa de hechos como éstos, que incluso las modificaciones accesorias de las cosas naturales tienen algún encanto y atractivo. Así, por ejemplo, un trozo de pan al cocerse se agrieta en ciertas partes; esas grietas que así se forman y que, en cierto modo, son contrarias a la promesa del arte del panadero, son, en cierto modo, adecuadas, y excitan singularmente el apetito. Asimismo, los higos, cuando están muy maduros, se entreabren. Y en las aceitunas que quedan maduras en los árboles, su misma proximidad a la podredumbre añade al fruto una belleza singular. Igualmente las espigas que se inclinan hacia abajo, la melena del león y la espuma que brota de la boca de los jabalíes y muchas otras cosas, examinadas en particular, están lejos de ser bellas; y, sin embargo, al ser consecuencia de ciertos procesos naturales, cobran un aspecto bello y son atractivas. De manera que, si una persona tiene sensibilidad e inteligencia suficientemente profunda para captar lo que sucede en el conjunto, casi nada le parecerá, incluso entre las cosas que acontecen por efectos secundarios, no comportar algún encanto singular. Y esa persona verá las fauces reales de las fieras con no menor agrado que todas sus reproducciones realizadas por pintores y escultores; incluso podrá ver con sus sagaces ojos cierta plenitud y madurez en la anciana y el anciano y también, en los niños, su amable encanto. Muchas cosas semejantes se encontrarán no al alcance de cualquiera, sino, exclusivamente, para el que de verdad esté familiarizado con la naturaleza y sus obras.

Marco Aurelio, Meditaciones, III, 2 (Traducción de Ramón Bach Pellicer)

GLOSAS SOBRE PEDRO Y BIEN TE QUIERO DE JUAN DEL ENCINA

2011-07-25T09:04:00.000+02:00

CINCO SIGLOS
Antonio Torralba, flauta contralto
Miguel Hidalgo, guitarra renacentista y dirección
Gabriel Arellano, viola
José Ignacio Fernández, bandurria
Daniel Sáez, colachón
Antonio Sáez, pandero

UNA VEZ MÁS EL GRAN RUSSELL

2011-07-16T18:29:00.000+02:00

[14 de julio de 2011. XXXI Festival de la Guitarra de Córdoba. William Byrd, The woods so wild. Giulio Regondi, Rêverie. Georg Fiedrich Haendel, Suite n. 7. Johann Sebastian Bach, Sinfonías de Cantatas. Patrick Roux, Le bourdon de l’âme. Isaac Albéniz, Capricho catalán, Cuba, Granada, Preludio, Rumores de la Caleta. David Russell, guitarra. Teatro Góngora. 21:30 horas]

Hasta tres propinas hubo de ofrecer el gran David Russell para corresponder al entusiasmo del público en el último de los conciertos clásicos del Festival de la Guitarra.

Russell repitió la fórmula eficaz a que nos tiene acostumbrados desde hace años, basada en cuatro platos fuertes: personalísimas versiones de música barroca (Haendel, además de Bach, en esta ocasión), magníficas transcripciones de piezas de Albéniz (añadió Capricho Catalán y Preludio a las ofrecidas en la actuación del año pasado), una obra de repertorio más o menos desconocida, que esta vez fue una deliciosa pieza del romántico Giulio Regondi (1822-1872); y, cuarto plato fuerte, una pieza moderna especialmente dedicada por su autor al genial intérprete escocés: el jueves nos ofreció Le bourdon de l´âme del compositor y guitarrista canadiense Patrick Roux (1962-).

Con este menú suculento (hubo también un, quizás menos afortunado, entrante en la obra tardorrenacentista inicial), David Russell hizo alarde de su también habitual alta cocina: limpieza técnica, musicalidad de altura y hermoso y potente sonido. A propósito de esto último, es de elogiar la acústica excelente de la Sala Multiusos del Teatro Góngora, lugar adecuado, aunque este año se haya quedado quizás pequeño, para este tipo de conciertos.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

GUITARRAS CON ACENTO ORIENTAL

2011-07-15T08:52:00.002+02:00

[13 de julio de 2011. 31 Edición del Festival de la Guitarra de Córdoba. Las mil y una noches. Francisco Tárrega, Capricho árabe; Alexander Borodin, En las estepas del Asia Central; Nicolai Rimsky-Korsakov, Scherezade (fragmentos); Carlo Domeniconi, Sindbad op 49; Keiko Fujiie, Bodrum Sea, A Cantastoria of One Thousand and One Nights. Quinteto Familiar Kazuhito Yamashita. Teatro Góngora. 21:30 horas.]

La familia al completo del excelente guitarrista japonés Kazuhito Yamashita ha sido la protagonista de la penúltima velada clásica del Festival de la Guitarra de Córdoba. El padre, la madre (la compositora Keiko Fujiie, autora de dos de las piezas de la velada) y los cuatro hijos de la pareja (Koyumi, Terekaku, Kanahi y Namifu) ofrecieron un recital con seis obras cuyo denominador común era el presentar rasgos que, grosso modo, podríamos llamar orientalizantes.

El recital comenzó con tres solos de Kazuhito: una versión muy sentida y llena de rubati del Capricho árabe de Francisco Tárrega (1852-1909), un arreglo lleno de efectos tímbricos del poema sinfónico de Alexander Borodin (1833-1887) En las estepas del Asia Central y la primera de las dos obras de la mencionada Keiko Fujiie (1963-), una pieza breve evocadora de la ciudad costera de Bodrum, en Turquía. El público que no había escuchado antes al guitarrista japonés quedó sorprendido con su estilo gestual. Yamashita realiza amplios movimientos en los que modifica sustancialmente la posición de la guitarra y de su cuerpo, llegando en ocasiones casi a levantarse de la silla. Esos movimientos parecen subrayar la acentuación de las frases, además de influir en otros parámetros musicales como la dinámica o el timbre.

A continuación vino un imaginativo arreglo a dúo (Kanahi se unió a su padre) sobre fragmentos de Scherezade de Rimsky-Korsakov (1844-1908). La obra se seguía con interés, tanto por la belleza de la música y la originalidad del arreglo, como por el contraste que se percibía entre las personalidades musicales de los intérpretes: comedida e intimista la de la niña, extrovertida y exagerada la de Kazuhito. Fue la pieza más aplaudida de la velada.

La segunda parte comenzó con un solo de Terukaku Yamashita, el mayor de los dos hijos varones. Realizó una sólida interpretación de fragmentos de la suite Sindbad del guitarrista y compositor italiano Carlo Domeniconi (1947-), pieza que sirvió de preludio a la larga obra final de Keiko Fujiie, también sobre el tema que daba título a la velada (Las mil y una noches), obra de escucha algo árida, pero que permitió admirar la encomiable conjunción del grupo.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

ROLAND DYENS, MAGO DE LA GUITARRA

2011-07-14T08:33:00.000+02:00

[12 de julio de 2011. 31 Edición del Festival de la Guitarra de Córdoba. Programa improvisado a partir de obras de Roland Dyens, Albéniz, Chaikovsky, Chopin, Django Reinhardt, Fernando Sor, Pixinguinha y Baden Powell. Roland Dyens, guitarra. Teatro Góngora. 21:30 horas]

Creo que nunca he disfrutado tanto de un concierto de guitarra como durante el ofrecido por Roland Dyens (1955-) el pasado martes en la Sala Multiusos del Teatro Góngora. Y me pareció compartir esa emoción con el resto del público, que expresaba su entusiasmo a cada paso y agradecía con largos aplausos y gritos de admiración el arte y la entrega del veterano músico francés.

El carácter excepcional de la sesión se sustentaba a mi juicio en tres pilares fundamentales: la extraordinaria calidad y amenidad del repertorio interpretado, aparentemente seleccionado sobre la marcha por Dyens; la capacidad del músico para crear un clima de alta empatía con el público, aspecto logrado con creces desde el comienzo; y, por supuesto, el abanico amplio de cualidades musicales que este guitarrista exhibe con la sofisticación de un consumado artista, pero también y sobre todo con la naturalidad con que habla un nativo su idioma.

El recital arrancó, como suele ser habitual en las actuaciones de Roland Dyens, con una improvisación de una profundidad musical y un buen gusto realmente asombrosos y terminó con una propina llena de ternura y emoción: Comme le jour, dedicada por el guitarrista hace dos años a su hija con motivo de su decimoctavo cumpleaños. Entre ambas breves joyas sonaron catorce piezas más, todas ellas de gran interés musical: arreglos de autores clásicos (Albéniz, Chaikovsky y Chopin), del guitarrista de jazz Django Reinhardt (Nuages) y de dos excelentes músicos brasileños del siglo XX: Baden Powell de Aquino (1937-2000) y Alfredo da Rocha Viana Filho, conocido como Pixinguinha (1897-1973). Aparte de las propias (seis piezas magníficas, contando las dos ya citadas), sólo interpretó una obra original para guitarra clásica: Le calme, caprice op. 50 de Fernando Sor (1778-1839), obra deliciosa que constituyó uno de los puntos álgidos de la noche.

Dyens iba presentando las piezas mediante breves intervenciones habladas en una mezcla expresiva de español, italiano, francés e inglés; y haciendo gala de una cálida simpatía y de un sentido del humor muy eficaz, que no se limitaba al contenido de estos breves discursos, sino también a los gestos abiertamente bromistas con que a menudo finalizaba sus excelentes interpretaciones, como quitándole importancia a los alardes técnicos recién realizados.

El guitarrista francés posee una técnica portentosa, una mano izquierda sorprendente y una capacidad de matiz y de claridad espectaculares; pero es sobre todo su musicalidad el aspecto que especialmente seduce: un sentido del tempo y una facilidad para expresar las frases musicales haciendo sentir al oyente que suenan de la mejor, de la única forma posible. Nos hacía sentir que todo lo que salía de su guitarra, incluidas las escasísimas notas falsas, era música, gran música

Antonio Torralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

Ensayando Juan del Encina

2011-07-05T21:26:00.001+02:00

Glosas sobre el romance "Qu'es de ti desconsolado" de Juan del Encina
CINCO SIGLOS
Un vídeo realizado por Javier Ruiz del Pozo

Córdoba

2011-06-29T17:01:00.000+02:00

«Córdoba, la ciudad de destino, no tendrá otra meta que la que le es propia e ineludible, la que está en lo más hondo de su patricia romanidad, en el ventalle más alto de sus palmas omeyas, en el áureo manantial bullente de su poesía: la cultura con mayúscula. Así, a pesar de todo, la ciudad, sea o no Capitalidad Cultural, sabrá poner al día su legado de siglos, sin vanguardias trasnochadas ni parques temáticos: en el pasado está su futuro».

Pablo García Baena, poeta

Presentación oficial de CUERDAS MUEVE DE PLATA

2011-06-20T20:50:00.001+02:00

19 de junio 2011

Presentación oficial de CUERDAS MUEVE DE PLATA

2011-06-15T00:27:00.001+02:00

MUSEO DE BELLAS ARTES DE CÓRDOBA

Domingo, 19 de junio. 12:00 horas

CUERDAS MUEVE DE PLATA a un precio especial

2011-06-13T12:48:00.001+02:00

Para comprar el CD de CINCO SIGLOS

CUERDAS MUEVE DE PLATA. Góngora Músico

a través del distribuidor GAUDISC a un precio especial

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LA BANDURRIA DE GÓNGORA Y OTROS INSTRUMENTOS DE SU ENTORNO

2011-06-06T18:48:00.001+02:00

Martes, 14 de junio, a las 20:30 horas

FUNDACIÓN BODEGAS CAMPOS

Ermita de la Candelaria (Calle Candelaria, frente a Bodegas Campos)

"La bandurria de Góngora y otros instrumentos de su entorno",

charla a cargo de Antonio Torralba,

ilustrada musicalmente por José Ignacio Fernández (bandurrias renacentista y barroca)

y Miguel Hidalgo (guitarras renacentista y barroca)

Entrada libre hasta completar aforo

Gallarda atribuida a Luis de Góngora

2011-05-25T23:18:00.000+02:00

Gallarda atribuida a Luis de Góngora. José Ignacio Fernández, bandurria. Plaza del Potro. Córdoba

CUERDAS MUEVE DE PLATA. YA A LA VENTA

2011-05-15T12:49:00.002+02:00

FANDANGO DE SANTIAGO DE MURCIA

2011-05-13T20:48:00.000+02:00

Un vídeo de cuando grabamos SONES DE PALACIO en 2008.
Versión camerística del Fandango de Santiago de Murcia.

GÓNGORA EN LA SAINTE-CHAPELLE

2011-05-07T10:13:00.002+02:00

CINCO SIGLOS MAÑANA EN PARÍS

2011-05-03T14:44:00.000+02:00

Miércoles, 4 de mayo de 2011. 19:15 horas

SAINTE-CHAPELLE. PARIS

CUERDAS MUEVE DE PLATA

Góngora entre los músicos de su tiempo

Anónimo (S. XVII)

Glosas sobre la Folía de España

Bartolomé de Selma y Salaverde (h. 1580-h. 1638)

Gallarda y Corrente

Luis de Briceño (h. 1580-¿)

Dança llamada La Españoleta

Andrea Falconiero (1585-1656)

Gallarda

La monarca

Brando dicho el Melo

Luis de Góngora (1561-1627)

Pasacalle

Jácara

Pablo Minguet (1715-1801)

Seguidilla

Santiago de Murcia (1673-1739)

La Jota

Santiago de Murcia (1673-1739)

Zarambeques

Fandango

Gaspar Sanz (1640-1710)

Villano

Zarabanda

CINCO SIGLOS

Miguel Hidalgo, guitarra barroca y dirección

Antonio Torralba, flautas

Gabriel Arellano, violín barroco y realizaciones musicales

José Ignacio Fernández, bandurria barroca

Daniel Sáez, violonchelo barroco

Antonio Sáez, percusión

CUERDAS MUEVE DE PLATA

2011-04-27T20:11:00.000+02:00

Ya está en prensa (¡por fin!) el décimo disco de CINCO SIGLOS.

Como he comentado por aquí en otras ocasiones, está dedicado a la faceta musical de Góngora. Incluye piezas de su repertorio de bandurria (tocadas en versión original con un instrumento de época construido por José Ignacio Fernández), algunas de ellas grabadas por primera vez. Hay también música española de fuerte sabor popular. Éste es el programa:

Y aquí la información sobre los músicos e instrumentos:

El CD cuenta con un libreto de 32 páginas a todo color en las que se glosa el mundo musical que rodeó al poeta y las características de los instrumentos que amenizaron sus soledades.

Estará disponible a partir del 15 de mayo.

Todos los discos de CINCO SIGLOS en Gaudisc.

2011-04-16T08:27:00.000+02:00

[14 de abril de 2011. Octavo Concierto de Abono. Wolgang Amadeus Mozart, Sinfonía n. 39 en mi bemol mayor, k. 543; Sinfonía n. 40 en sol menor. Orquesta de Córdoba. Manuel Hernández Silva, dirección. Gran Teatro de Córdoba. 20:30 horas. Lleno]

El milagro de delicadeza, emoción y equilibrio en que consisten las últimas obras de Mozart, y muy especialmente las maravillosas tres sinfonías del verano de 1788, supone un reto impresionante para quienes (orquestas y directores) han venido afrontando su interpretación desde entonces. Hay una exigencia casi camerística en cada atril y cualquier pequeño fallo parece notarse más que en otros repertorios; el mínimo desajuste parece arruinar la filigrana sutil de las texturas; hay además una demanda altísima de concentración y acierto por parte del director al escoger los tempi y, sobre todo, al organizar la presencia de los diferentes planos sonoros en que Mozart basa en gran medida las diferentes atmósferas dramáticas con que articula su sorprendente discurso musical.

Aunque ya casi desde el comienzo del primer movimiento de la Sinfonía n. 39 constatamos que esos dos requerimientos básicos no parecían lograrse del todo (desajustes, pequeños fallos, rigidez y falta de ligereza en algunos fraseos), nos pareció que hubo también momentos magníficos (casi todo el último tiempo, por ejemplo), que compensaron en parte las citadas carencias. Éstas, no obstante, fueron reapareciendo a lo largo de esta sinfonía con inesperada frecuencia (segunda parte del Andante, trío del Minuetto), poniendo trabas a la fiesta en que siempre consiste un programa dedicado a Mozart.

La segunda parte fue más afortunada, aunque no logró disipar del todo la sensación de añoranza de los buenos momentos a que nos tienen acostumbrados la orquesta y su director.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en EL DÍA DE CÓRDOBA]

COMPAÑÍA

2011-04-12T23:20:00.002+02:00

Me gustó que la teleoperadora se riera, porque, normalmente, la cosa va de avasallar o ser avasallado. Creo que se reía como poquito a poco, sin poderse aguantar, porque la broma era un poco tonta y un poco ingenua, y un poco en serio y un poco no; y quizás se notaba que no era el terrorismo que se recomienda para acabar con operadoras pesadas (esas cosas del tipo "¿cómo vas vestida?" o "¿me lo podrías dejar gratis?")... Quizás también pesaba que no se creyera del todo su papel. Fue una tontería, como ya digo:
- ¿Con qué compañía está actualmente?
- Ahora mismo con un amigo, pero normalmente solo. Es que voy en un coche.
- ¿Y -ya se reía abiertamente- sabe qué velocidad tiene?

PRÓXIMO CONCIERTO DE CINCO SIGLOS EN VILLARRUBIA

2011-04-10T23:43:00.001+02:00

Por si queréis ir. Hay autobuses de AUCORSA

MIÉRCOLES 13 DE ABRIL. 20:00 HORAS

GÓNGORA ENTRE LOS MÚSICOS DE SU TIEMPO

Música instrumental del Barroco Español a cargo de CINCO SIGLOS

2011-03-28T14:16:00.000+02:00

Este soneto de Góngora gustaba a Borges, quien cita el hermoso primer terceto: ese escenario montado en el aire

A un sueño

Varia imaginación que, en mil intentos,

A pesar gastas de tu triste dueño

La dulce munición del blando sueño,

Alimentando vanos pensamientos,

Pues traes los espíritus atentos

Sólo a representarme el grave ceño

Del rostro dulcemente zahareño

(Gloriosa suspensión de mis tormentos),

El sueño (autor de representaciones),

En su teatro, sobre el viento armado,

Sombras suele vestir de bulto bello.

Síguele; mostraráte el rostro amado,

Y engañarán un rato tus pasiones

Dos bienes, que serán dormir y vello.

Escuchando a Brahms

2011-03-26T10:41:00.000+01:00

[24 de marzo de 2011. Séptimo Concierto de Abono. Johannes Brahms, Concierto para piano y orquesta n. 1 en re menor, op. 15; Sinfonía n. 1 en do mayor, op. 68. Pierre-Alain Volondat. Orquesta de Córdoba. Álvaro Albiach, dirección. Gran Teatro de Córdoba. 20:30 horas. Lleno]

Casi como ocurre con el de Beethoven, el ciclo sinfónico de Johannes Brahms (1833-1897) ha sido objeto de numerosas grabaciones y es de los más brillantemente representados en el mundo de la fonografía. El primer movimiento de la Sinfonía n. 1, el segundo de la segunda, el tercero de la tercera y el cuarto de la cuarta (no hago juegos de palabras: es la verdad) forman parte de las músicas que todo aficionado al repertorio culto tiene en mente cuando piensa en las maravillas que dejó el género sinfónico. Y suenan a menudo (o sonaban, porque quizás esa afición a la escucha doméstica de obras largas viva horas bajas) en los aparatos de música de los aficionados de todo el mundo. ¿Qué puede aportar a éstos la escucha en vivo de estas músicas archiconocidas? Varias cosas, desde luego, pero una muy especial (enseguida veremos otra) es la posibilidad de disfrutar de la dinámica. En música, llamamos dinámica a las gradaciones de intensidad, a los planos de volumen en movimiento que tanto tienen que ver con el disfrute sensual del arte de los sonidos y que a menudo nos escamotean los medios de grabación y reproducción cotidianos. Pues bien, este aspecto con que siempre nos sorprende la escucha en directo y que tan esencial es en la música de Brahms, me pareció brillar especialmente en la dirección de Albiach. Magistralmente medidos desde el angustioso inicio de la sinfonía bajo la rítmica de los timbales, los matices dinámicos puestos al servicio de las sutiles texturas orquestales brahmsianas, tuvieron quizás momentos todavía más espectaculares en la primera parte de la velada, durante la interpretación del concierto.

En ello, desde luego, tuvo un protagonismo esencial el solista invitado; el magnífico pianista y compositor Pierre-Alain Volondat, comprendiendo a la perfección el carácter peculiarmente sinfónico del primero de los conciertos de Brahms, supo unirse a ese empeño por jugar sutilmente con las texturas y las intensidades, sin descuidar las medias tintas, en que basó el director valenciano su acercamiento a estas obras. Además, el solista francés añadió (y me refiero ahora a la otra grandeza de la revisita continua al gran repertorio) una concepción heterodoxa de su lectura, sobre todo en la elección de los tempi. Estas “sorpresas” añadieron un plus de frescura a una interpretación técnicamente impecable que fue ampliamente aplaudida por el público del Gran Teatro. Volondat respondió con una propina inesperada: la Danza Andaluza (op. 37, n. 5) de Granados. Como le gritó un entusiasmado oyente, Merci Monsieur.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en EL DÍA DE CÓRDOBA]

CONCIERTO DOMINGO 27 DE MARZO A LAS 12:30

2011-03-24T18:59:00.000+01:00

Vivaldi a capella (Cosas de Clase)

2011-03-16T21:31:00.000+01:00

Me lo ha dado a conocer mi amigo Miguel y me ha parecido interesante y muy bien hecho, aunque sé que hay personas que tienen alergia a estas cosas "a capella".

She's always a woman

2011-03-14T07:12:00.002+01:00

She can kill with a smile

She can wound with her eyes

She can ruin your faith with her casual lies

And she only reveals what she wants you to see

She hides like a child

But she's always a woman to me

She can lead you to live

She can take you or leave you

She can ask for the truth

But she'll never believe you

And she'll take what you give her as long as it's free

She steals like a thief

But she's always a woman to me

Oh, she takes care of herself

She can wait if she wants

She's ahead of her time

Oh, and she never gives out

And she never gives in

She just changes her mind

She will promise you more

Than the Garden of Eden

Then she'll carelessly cut you

And laugh while you're bleedin'

But she'll bring out the best

And the worst you can be

Blame it all on yourself

Cause she's always a woman to me

She is frequently kind

And she's suddenly cruel

She can do as she pleases

She's nobody's fool

But she can't be convicted

She's earned her degree

And the most she will do

Is throw shadows at you

But she's always a woman to me

MANOS QUE CONQUISTAN LOS SENTIDOS

2011-03-09T07:25:00.002+01:00

Como a veces publicamos colaboraciones de todo tipo, una seguidora bonaerense nos ha enviado esta crítica de un concierto del guitarrista argentino Hernán Diéguez. Como el blog tiene muchos seguidores por allá y también para que nos percatemos por aquí de la fuerza que el flamenco tiene al otro lado del Atlántico, nos ha parecido oportuno ceder este espacio a nuestra amiga.

CONMOCIÓN SENSORIAL DE UN MUNDO MUSICAL. MANOS QUE CONQUISTAN LOS SENTIDOS

"Cuando el mundo está en paz, cuando todas las cosas están en calma, cuando todas sus mutaciones siguen a las que son superiores, la música se completa, se verifica.

Cuando los deseos y las pasiones marchan por la ruta correcta, la música se perfecciona. La música perfecta tiene su causa, nace del equilibrio, el equilibrio emana del derecho, el derecho surge del sentido del mundo. Por eso sólo se puede hablar de música con un hombre que ha conocido el sentido del mundo" (…) (Hermann Hesse, Introducción del Juego de abalorios)

Me referiré aquí, en el siguiente ensayo, a la calidad artística de un músico, más aún, de un compositor de extraordinario virtuosismo y elegancia musical. Se trata de Hernán Diéguez, guitarrista argentino, autodidacta, creador de su propia ejecución.

Actualmente en escena con la obra cuyo nombre se conoce como Gira flamenca, lo mejor de Japón 2009/2010, producción en la que intervienen los siguientes artistas: Alicia Fiuri y Néstor Spada en coreografía; Claudia Montoya en canto; Fernanda de Córdoba en guitarra y, desde ya, Hernán Diéguez.

El pasado 23 de Enero visité la sala del Centro Cultural Borges con la sola pretensión de ver un espectáculo. Curiosamente me encontré con una exquisita representación musical que resulta un maravilloso marco para el desarrollo, también importante, de los cuadros coreográficos. La guitarra y su reino sensorial: una suerte de rapsodia musical que abraza una inmensidad de emociones en su estado puro. Como aterciopeladas melodías que tejen una constelación de suspiros. Esto es, una guitarra y su mano capaz de hacer llorar a los sueños.

El arte de Diéguez está más acá y más allá del lenguaje. Entonces, ¿Es posible describir su música casi perfecta,… del sentido del mundo? Pues diré que mi impresión de su belleza sonora estima percepciones de una singularidad peculiar, como cierta emoción perturbadoramente misteriosa. Un sonido poderoso, cargado de sensaciones hondas. Destacaré un solo de guitarra ejecutado por el mismísimo Diéguez, quien junto a su compañera Fernanda de Córdoba, parece expresar su arte dionisíaco.

El músico asume como fuente de inspiración diversos estilos que curiosamente logra resolver tras una identidad propia. Pero, ¿cómo poner en palabras lo que éste artista es capaz de provocar? Desde la profundidad de la empírea, el espectador es arrastrado por la prisa musical, a veces vertiginosa, de su cadencia increíble. Entre el tiempo de un movimiento y el otro se suceden una serie de armoniosas combinaciones que cautivan el ánimo de quien lo oye. Y éste, lejos de significar un simple espectador resulta pues envuelto en aquel mundo sonoro. (Revelaré como hecho a destacar que Paco de Lucía ha sido uno de sus espectadores. Pueden ustedes imaginar la predecible calidad artística)

Diéguez es un creador con un dominio mayor en la técnica de su instrumento. Su guitarra perfecciona la dulzura de sus esquíesenos y expresa su pujante naturaleza artística. Siempre en el límite de dar, sus manos parecen hilos que mueven el telar de lo vivo.

¿Qué nos depara el destino de su sonido? Su ritmo vibrante expresa cierta excitación convulsiva y sus melodías, jamás presupuestas, simulan giros locos. Así su mano sostiene armonías crueles que deja caer, para luego retornar con más fuerza aún.

En caída libre, entre el cielo y la tierra, entre la luz y las tinieblas, Hernán Diéguez domina la técnica de su arte y pulso de las pasiones.
Un artista digno de su ser.

Isabella Azul

Un concierto en do mayor

2011-01-29T08:22:00.001+01:00

[27 de enero de 2011. Quinto Concierto de Abono. Franz Schubert, Obertura de Rosamunda, D. 644; Sinfonía n. 6 en do mayor, D. 589. P. I. Chaicovsky, Serenata para cuerdas en do mayor, op. 48. Orquesta de Córdoba. Manuel Hernández Silva, dirección. Gran Teatro de Córdoba. 20:30 horas. Lleno]

Tres magníficas obras en la brillante tonalidad de do mayor constituyeron la poderosa materia sonora del quinto de los conciertos de abono de la presente temporada de la Orquesta de Córdoba. Eran dos composiciones de Franz Schubert (1797-1828), que, aunque programadas en principio para la segunda parte de la velada, sonaron al comienzo; y una joya de Chaicovsky (1840-1893): la Serenata para cuerdas op. 48. Esta última fue sin duda el plato fuerte de la noche, no sólo por su calidad musical (superior, justo es decirlo, al de las otras dos piezas de la sesión), sino también por la hondura expresiva de que supo dotarla la lectura sobresaliente de Hernández Silva y la más que notable excelencia interpretativa de la orquesta.

Aunque de forma un poquito menos rotunda, más desigual, todo ello (calidad de música y músicos) se manifestó también en la primera parte, con lo que el concierto fue ganando pieza a pieza en intensidad; el público acompañó el crescendo con ovaciones también de longitud y calidez crecientes.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

APRENDER Y ENSEÑAR

2011-01-28T23:53:00.002+01:00

Aunque también va a publicarse (creo) ahora en la revista de Vejer de que os hablaba el otro día, escribí esta nota el año pasado.

APRENDER Y ENSEÑAR

Desde antiguo se sabe que aprender y enseñar son como dos caras de la misma moneda. Cicerón escribió "Si quieres aprender, enseña"; y perfectamente podría haberlo formulado (otros lo hicieron) al revés: "Si quieres enseñar, aprende".

Las aptitudes (y actitudes) para una actividad llevan aparejadas las necesarias para la otra. Y son consustanciales a la esencia del ser humano, que al parecer necesita compartir para ser feliz o para simplemente ser.

  ¿Por qué, entonces, la enseñanza pasa por momentos tan extrañamente difíciles? Imagino que hay muchas causas, pero me gustaría apuntar dos que me parecen explicativas.
   Las últimas reformas que se han hecho en España han estado lideradas por persones del mundo de la FP, que han intentado aplicar criterios de evaluación y fomento de la calidad provenientes del mundo de la empresa. Parecía partirse de la idea de que la capacitación profesional debía ser la meta desde edades tempranas. Algunas asignaturas resultaban incómodas (¿Latín?, ¿Griego?, ¿Historia de la música?), otras debían ser reformuladas hacia su aplicación más práctica (Filosofía y Ciudadanía). Se llenaron los horarios de Tecnología. En muchos centros, como no había dotación suficiente de talleres, esta asignatura práctica se volvía teórica por razones prácticas. En los casos más afortunados, suplía la falta de teatro: “a ver, imagina que tienes el berbiquí en la mano, ¿qué haces ahora?”. Mimo. Y desconcierto.
   Los institutos se llenaban de problemas porque a los profesores les cambiaron radicalmente la clientela. Era como si todos se hubieran equivocado de colegio muy temprano por la mañana. Los alumnos que venían dejaron de venir: se fueron yendo a la concertada. Y peor: Los que no venían empezaron a venir. Eran dos grupos de mucha enjundia: los del primer grado de la antigua FP y los de los dos últimos cursos (séptimo y octavo) de la EGB. Estos muchachos eran muy diversos (una palabra que…), pero tenían (tienen) en común algo que les daba (da) una fuerza enorme: no querían. No quieren. Y nadie les da motivos para querer. La motivación, sí, la otra palabra.
   En este contexto, los disparates que hemos ido viendo en los últimos años, cobraban la comicidad (vistos desde fuera), la tragedia (vistos desde dentro), el absurdo (vistos desde cualquier lado) de una obra de Ionesco. Son tantos. El más desagradable tiene que ver con la burocracia: los profesores van por los pasillos escondiéndose unos de otros temiendo que sus compañeros les pidan alguno de los innumerables papeles en cuya escritura e intercambio parece consistir ahora la actividad docente.
   Como esta revista es de alumnos y de profesores, pensando en los primeros (si alguno ha llegado hasta aquí), aclararé que los tres párrafos anteriores son sólo una explicación de por qué a veces estamos todos tan nerviosos. Tan asustados. Podríamos intentar olvidarnos de todo eso durante cada clase. Porque, a diferencia de los profesores, los alumnos sólo hacen los cursos (más o menos) una vez… Y merece la pena aprovechar esos momentos tan bonitos de aprender y de enseñar.

LOS DISCOS DE CINCO SIGLOS

2011-01-26T10:27:00.000+01:00

Apoya a CINCO SIGLOS comprando sus discos.

SONES DE PALACIO, BAILES DE COMEDIAS

GLOSAS NUEVAS SOBRE VIEJAS DANZAS

UNA DANZA A SONARE

IBAN TAÑENDO

SONES DE SEFARAD

BELFIORE DANÇA

MÚSICAS DE LA ESPAÑA MUDÉJAR

DANSSE REAL

UNOS TAN DULCES SONES

www.cincosiglos.es

Propiedad Intelectual

2011-01-23T10:46:00.000+01:00

Asi commo ha muy grant plazer el que faze alguna buena obra, sennalada mente siu toma grant trabajo en la fazer, quando sabe que aquella su obra es muy loada et se pagan della mucho las gentes, bien asi ha muy grant pesar et grant enojo quando alguno, a sabiendas o aun por yerro faze o dize alguna cosa porque aquella obra non sea tan preciada o alabada commo devia ser. Et por probar aquesto porne aqui una cosa que acaescio a un caballero en Perpinan en tienpo del primero rey don Jaymes de Mallorcas.

Asi acaecio que aquel caballero era muy grant trobador et fazie muy buenas cantigas a marabilla et fizo una muy buena ademas et avia muy buen son; et atanto se pagavan las gentes de aquella cantiga que desde grant tienpo non querian cantar otra cantiga si non aquella, et el cavallero que la fiziera avia ende muy grant plazer. Et yendo por la calle un dia oyo que un çapatero estaua diziendo aquella cantiga et dezia tan mal errada mente tan bien las palabras como el son que todo omne que la oyesse si ante non la oyie ternia que era muy mala cantiga et muy mal fecha. Quando el cavallero que la fiziera oyo commo aquel çapatero confondia aquella tan buena obra commo el fiziera ovo ende muy grant pesar et grant enojo et descendio de la bestia et asentose cerca del. Et el çapatero que non se guardava de aquello, non dexo su cantar, et quanto mas dezia, mas confondia la cantiga que el cavallero fiziera. Et desque el cavallero vio su buena obra tan mal confondida por la torpedat de aquel çapatero, tomo muy passo unas tiseras et tajo quantos çapatos el çapatero tenia fechos; et esto fecho, cavalgo et fuesse. Et el çapatero paro mientes en sus çapatos et desque los vido asi tajados et entendio que avia perdido todo su trabajo, ovo grant pesar et fue dando voces en pos de aquel cavallero que aquello le fiziera. Et el cavallero dixole :

‑ Amigo, el rey nuestro sennor es aqui et vos sabedes que es muy buen rey et muy justiciero et vayamos antel et librelo commo fallare por derecho.

Anbos se acordaron a esto et desque legaron antel rey dixo el çapatero como le tajara todos sus çapatos et le fiziera grant damno. El rey fue desto sannudo et pregunto al cavallero si era aquello verdat et el cavallero dixole que si, mas que quisiesse saber por que lo fiziera. Et mando el rey que lo dixiesse; et el cavallero dixo que bien sabia el rey que el fiziera tal cantiga que era muy buena et abia buen son, et que aquel çapatero gela avia confondida et que gela mandasse dezir. Et el rey mandogela dezir et vio que era asi. Estonçe dixo el cavallero que pues el çapatero confondiera tan buena obra como el fiziera et en que avia tomado grant danpno et afan que asi confondiera el la obra del çapatero. Et el rey et quantos lo oyeron tomaron desto grant plazer et rieron ende mucho; et el rey mando al çapatero que nunca dixiesse aquella cantiga nin confondiesse la buena obra del cavallero et pecho el rey el damno al çapatero et mando al cavallero que non fiziesse mas enojo al çapatero.

Infante Don Juan Manuel, El conde Lucanor. Prólogo

Mentre dormi amor

2011-01-21T18:39:00.001+01:00

Para la excelente revista que hace en su instituto de Vejer de la Frontera, Ana (amiga, antigua alumna, profe de música) me pidió que escribiera un texto sobre el aria de Vivaldi Mentre dormi amor (L'Olimpiade). Como ha quedado un poco largo y se publicará resumido, lo pongo aquí, que no hay problemas de espacio.

MIENTRAS DUERMES

Cuando era niño, aunque me gustaba la música, me fastidiaban las películas en las que cantaban. No recuerdo bien si el fastidio era sólo por el idioma, pero sí que éste era ampliamente compartido por mis amigos. Y a Televisión Española (la única por entonces) le dio por poner comedias musicales americanas cada sábado. Empezábamos a ver una película y, de pronto, aparecía la sospecha. La mujer se dirigía hacia el espejo del tocador y, al llegar el cambio de ruidillo de fondo de la banda sonora original e iniciarse la introducción instrumental, ya no había duda, ni esperanza: arrancaba a cantar. Nosotros hacíamos el zapping del momento, que consistía en irse a la calle a montar producción propia de bajo presupuesto.

Sé que hablar de gustos personales no tiene mucho sentido y que las preferencias sólo crean buen rollo si se comparten; pero he arrancado manifestando ésta para recordaros que te puede gustar una canción sin que estés dispuesto a tragarte el musical; e igual pudiera darse el caso de que un aria de ópera te emocione sin que te guste la ópera como espectáculo. Y por eso he aceptado la invitación de vuestra profe de música para escribir sobre esta canción de Vivaldi: porque me gusta escucharla aun no estando por ello muy dispuesto a disfrutar de la obra de arte total: esa cabalgata interminable de romanos con plumas y larguísimos fragmentos en que los actores medio cantan y medio hablan como los niños de la lotería. En corto: me encanta este aria de Vivaldi y no me gusta la ópera a la que pertenece, ni demasiado tampoco la ópera en general.

El teatro es una cosa social, con enseñanzas o festiva, muy admirable; pero el aria es poesía, pura emoción; sí, muchas arias, como muchas canciones de ahora y de siempre, como muchos poemas, son concentrado de emoción: hay primero un placer físico como de baile y un contagio de ganas de cantar; y luego, como en el amor, el deseo infatigable de volver de nuevo al comienzo. Este deseo se cumple en parte en la forma que se llama “aria da capo”. “Da capo”, desde el comienzo… Cuando parece que va a acabarse, vuelve a sonar desde la cabeza. Y como el corazón de los enamorados –y esto lo dice un poco antes el propio personaje que canta este fragmento-, también la música “se llena de alegría con sólo pensar en lo que vendrá”.

El personaje, este muchacho que canta con voz de mujer (porque en la fantasía disparatada de la ópera nunca sabemos si cantan personas, melodías, almas o deseos), está ahora junto a un amigo que duerme. Le ha encargado que realice al día siguiente unas gestiones para conseguir a su amada sin saber que el otro también quiere a esa mujer. Todos enamorados de la misma, como en segundo de ESO.

Canta su deseo: que mi felicidad (imaginando lo que vas a conseguirme mañana) se sume al placer de tu sueño para que descanses lo mejor posible. Sobre un bajo que va repitiendo la nota fa (la más importante de la escala que utiliza este aria) los violines pintan la suave brisa que invita al sueño (¿has escuchado “Las cuatro estaciones”?). Creo que están al aire libre, porque se oye (también con un fa largo) una trompa, que es un instrumento relacionado con la caza y el campo. Y así, entre fas y dos (do es la nota que en esta escala hace desear el fa), expresa el enamorado su fantasía de entrar en el sueño del amigo: “mientras duermes, que el amor acreciente el placer de tu sueño con mi idea de felicidad”. Menos mal que la telepatía no existe y que entrar en el sueño de otro es sólo una ilusión, porque ahí cada mente iba por un lado.

Hacia la mitad, la atmósfera cambia para pintar lo que ahora se expresa: que nada interrumpa el sueño: “que el arroyo corra más lento” (fíjate en lo que ahora hacen los violines como mandando callar) y que hasta se pare el aire. Pasando por alto que alguien está cantando a voz en grito junto a la oreja del que duerme (porque en la fantasía disparatada de la ópera eso no cuenta), Vivaldi hace callar al bajo y a la trompa y cambia la escala creando un efecto que sugiere la quietud mágica de la noche (¿has escuchado el concierto titulado “La Notte”?).

Después (y en eso consiste un “aria da capo”) regresa de nuevo el comienzo; pero ya no es exactamente igual, ¿verdad? Cuando era niño, aunque me gustaba la música, me fastidiaban las películas en las que cantaban…

Antonio Torralba

Profesor de Música. Córdoba

Así berreó Zaratustra

2011-01-21T10:31:00.000+01:00

Fran nos manda este vídeo divertidísimo. Es una orquesta escolar sueca.

The Road Not Taken

2011-01-09T10:55:00.005+01:00

Con motivo del cumpleaños de mi amigo Dani (28) he buscado este poema.

El camino no tomado (Robert Frost)

Dos caminos se bifurcaban en un bosque amarillo; y, contrariado por no poder coger los dos, siendo yo uno solo, me quedé parado un buen rato y miré uno de ellos hasta donde dejaba ver la maleza. Pero tomé el otro, igualmente bueno, pensando que era la mejor decisión, ya que lo cubría una hierba que apetecía pisar; aunque, juzgando por lo que se veía, los dos eran muy parecidos; y ambos se mostraban esta mañana igualmente intactos, con hojas que ninguna pisada había manchado aún. ¡Ay, dejé el primero para otro día! Y aun sabiendo cómo en la vida una cosa va llevando a otra, dudaba si alguna vez debería regresar. Por los siglos de los siglos debo estar diciendo esto con un suspiro: dos caminos se bifurcaban en un bosque amarillo y yo... yo tomé el menos transitado y esa ha sido toda la diferencia.

Ésta es mi prosaica versión. Aquí el original de 1915.

Two roads diverged in a yellow wood,

And sorry I could not travel both
And be one traveler, long I stood
And looked down one as far as I could
To where it bent in the undergrowth.

Then took the other, as just as fair,
And having perhaps the better claim,
Because it was grassy and wanted wear;
Though as for that the passing there
Had worn them really about the same.

And both that morning equally lay
In leaves no step had trodden black.
Oh, I kept the first for another day!
Yet knowing how way leads on to way,
I doubted if I should ever come back.

I shall be telling this with a sigh
Somewhere ages and ages hence:
Two roads diverged in a wood, and I--
I took the one less traveled by,

And that has made all the difference.

VALSES Y ZARZUELAS

2011-01-03T09:11:00.000+01:00

[1 de enero de 2011. Concierto de Año Nuevo. Tomás Bretón, “Preludio” de La verbena de la Paloma. Reveriano Soutullo y Juan Vert, “Interludio” de La leyenda del beso. Ruperto Chapí, “Preludio” de El tambor de granaderos. Joaquín Rodrigo, Concierto de Aranjuez. Franz von Suppé, Poeta y campesino. Federico Moreno Torroba, “Chotis” de La chulapona. Johann Strauss II, Éljen a Magyar!, Voces de primavera, El bello Danubio azul. Amadeo Vives, “Coro de románticos” de Doña Francisquita. Giuseppe Verdi, “Coro de los gitanos” de Il Trovatore. Vicente Coves, guitarra. Coro de Ópera Cajasur (Director: Diego González Ávila) Orquesta de Córdoba. Manuel Hernández Silva, dirección. Gran Teatro de Córdoba. 20:30 horas. Lleno]

Festivo y glamuroso concierto el primero del año 2011. La Orquesta de Córdoba optó por la ecléctica variedad que supone alternar obras famosas austriacas y españolas y mezclar piezas de enjundia diversa; y contó para ello con la colaboración del excelente guitarrista jienense Vicente Coves y del Coro de Ópera Cajasur.
Se corría el riesgo de producir un efecto parecido al de las comidas de fiesta de estos días: cosas muy sabrosas, muy de siempre, con caché…, aunque algo pesadas de digerir todas juntas. Pero no ocurrió, ya que el público, en mayor grado que apuestas más innovadoras y arriesgadas de otros años, pareció valorar esta elección aplaudiendo con igual entusiasmo el plato fuerte que constituía la obra de Joaquín Rodrigo (magníficamente interpretada sin amplificación por el solista) y los entrantes chispeantes de zarzuela. También celebró calurosamente el largo surtido de postres en que consistió la segunda parte, en la que el coro tuvo momentos brillantes que alternaron con otros en los que hubiera sido deseable mayor coordinación con la orquesta y algo más de potencia.
Para terminar, tras la cariñosa felicitación del Año Nuevo por parte de los músicos (y la de un espontáneo al director en su onomástica: ¡Felicidades, don Manuel!), dos propinas: Va pensiero de Verdi y esa marcha de Johann Strauss padre con que, aplaudiendo los espectadores al compás, suelen acabar los conciertos de Año Nuevo. A pesar de ser una pieza que el público tiene en repertorio desde hace décadas y de que Hernández Silva nos dirigió muy bien, hubo algunos fallos por parte del respetable que habrá que corregir en años sucesivos. Muerto Berlanga, alguien tiene que velar por el Imperio Austrohúngaro.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

La bandurria de Luis de Góngora

2010-12-30T09:18:00.002+01:00

Gran Fuga op. 133 de Beethoven

2010-12-29T09:55:00.001+01:00

What does it mean, chaos

gathered into a sudden bronze sweetness,

an October flourish, and then that moment

denied, turned acid, disassembling,

questioned, rephrased?

Mark Doty, Grosse Fuge (1995)

Vote por el mejor

2010-12-28T10:06:00.001+01:00

o Dios

O su profeta

Felices Fiestas

2010-12-23T23:49:00.001+01:00

Cuéntame una ópera

2010-12-13T14:12:00.002+01:00

Una página muy interesante.

http://www.cuentameunaopera.com/home.php

Nace la Joven Filarmonía Leo Brouwer

2010-12-08T07:54:00.000+01:00

[6 de diciembre de 2010. Chaikovski, “Polonesa” de Eugene Oneguin. Bizet, “Piezas de las suites 1 y 2” de L’Arlésienne. Arturo Márquez, Danzón n. 2. Ottorino Respighi, “Primera suite” de Belkis, Reina de Saba. Joven Filarmonía Leo Brouwer; Ciro Perelló, director musical. Gran Teatro de Córdoba. 21:00 horas]

Sentí el lunes una profunda emoción durante las más de dos horas que duró la velada de presentación de la nueva orquesta cordobesa Joven Filarmonía Leo Brouwer. Éstas (la velada y la emoción) comenzaron con la lectura de un sencillo texto a cargo de una elegante dama, cuya imagen simbolizaba quizás también el espíritu de la nueva formación. Siguieron unas breves y sentidas palabras del director artístico y principal patrocinador de la entidad, el compositor cubano Leo Brouwer. Y comenzó la música, cuya selección, dirección a cargo de Ciro Perelló e interpretación a manos de los jovencísimos músicos de la bien nutrida plantilla dejaron fascinado al público congregado para la ocasión.

La calidad interpretativa y la exhibición de talento que mostraron los participantes en las varias intervenciones a solo y en el trabajo de conjunto fueron en aumento y tuvieron su momento cumbre en la efectista partitura de Respighi, llena de fiesta y energía.

La música se aprende en grupo y un conocido obstáculo para la educación musical y la motivación que ella requiere es la ausencia de contextos adecuados para tocar juntos. Con la colaboración entusiasta de un puñado de profesores de la Orquesta de Córdoba que el lunes compartieron atril con sus jóvenes amigos, y con la calidad altísima que emana del proyecto, la nueva entidad viene a llenar sabiamente una ausencia y, en este sentido, es un regalo valioso para la cultura de la ciudad.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

Moros y cristianos

2010-11-20T22:54:00.000+01:00

Estoy de acuerdo en que, mirado el asunto racionalmente, Moros y cristianos no es la mejor película de Berlanga. Pero es la que más me gusta.

Góngora músico 3

2010-11-11T20:56:00.000+01:00

Cotidiana calidad

2010-11-06T09:23:00.000+01:00

[4 de noviembre de 2010. W. A. Mozart, Sinfonía n. 25 en sol menor, K. 183. C. Saint-Saëns, Concierto para violín y orquesta n. 3 en si menor op. 61. R. Schumann, Sinfonía n. 4 en re menor, op. 120. Amaury Coeyteaux, violín. Orquesta de Córdoba; Günter Neuhold, director musical. Gran Teatro de Córdoba. 20:30 horas. Lleno]

Produce enorme satisfacción comprobar, tras los primeros conciertos de inicio de la temporada de abono, la buena calidad alcanzada por nuestra orquesta; y no ya como un acierto en éste o aquél concierto, sino como una constante de su quehacer diario. La velada del jueves, aunque con un inicio acaso vacilante, fue clara muestra de ese nivel alcanzado por la formación cordobesa, que supo estar a la altura de las exigencias musicales del soberbio solista Amaury Coeyteaux, en la obra de Sain-Saëns, así como materializar con solvencia la vibrante lectura propuesta por el austriaco Günter Neuhold de la sinfonía de Schumann.

El concierto arrancó con la “pequeña” de las dos aportaciones mozartianas en sol menor al género sinfónico. Aunque ejecutada con elegancia, nos pareció que la interpretación de esta obra ambigua y maravillosa quizás no estuvo a la altura del resto del concierto. Especialmente, en el último movimiento.

A partir de aquí, sin embargo, todo fue sobre ruedas. El joven solista francés bordó el tercero de los conciertos dedicados por Sain-Saëns al violín, haciendo gala en todo momento de un sonido potente y de una facilidad asombrosa. La obra, estrenada por Pablo Sarasate en 1880, combina la brillantez virtuosa propia del género con un lirismo muy dulce que desborda en la apasionada cantilena sobre ritmo de barcarola del segundo tiempo. Coeyteaux la hizo sonar con una pureza de emisión cautivadora.

La segunda parte estuvo dedicada a la cuarta sinfonía de Schumann, sabiamente conducida por la sólida batuta del director invitado. Neuhold supo dosificar con arte la fogosidad romántica de esta obra memorable hasta el estallido heroico de la original conclusión del Finale. Chapeau.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

Antigüedades

2010-11-05T23:49:00.000+01:00

En el mesón hay antigüedades que no te dicen nada; otras te atraen vagamente, algunas te intrigan. Si se refieren a "tu tema" (pongamos: los instrumentos musicales), te parecen ridículas: salterios de mercadillo. Pasa con el pasado y pasa con el presente: la noticia del periódico que da cuenta de algo que tú has visto. ¡Cómo decepciona! ¡Qué mal contada! Y es que, como decía el clásico, todo lo que no es erudición es política; o comercio de souvenir.

Grandeza de Góngora

2010-11-01T09:59:00.000+01:00

Lo hemos leído todos en los tiempos del instituto. Es de los sonetos más conocidos de Góngora, si no el que más. Pero no quita para que ahora, al topar una vez más con él, me haya sobrecogido. Y quería compartir esta emoción. Me refiero a ese que comienza "Mientras por competir con tu cabello/ oro bruñido el Sol relumbra en vano..." Es un elogio de la belleza de una mujer animándola a que aproveche su juventud antes de que llegue la vejez. Lo llamamos carpe diem desde que Horacio, meditando en una oda sobre el tiempo que se escapa como agua entre los dedos, escribió ese famoso verso que tanto estrés puede causar en manos de la psicología barata de la segunda mitad del siglo XX: "Carpe diem quam minimum credula postero": Agarra el día como si apenas creyeras en el siguiente.

Entre otros muchos, Garcilaso ya escribió un soneto memorable (otro de los del instituto) sobre ese mismo tema (el que empieza "En tanto que de rosa y azucena"), en el que, tras animar a la muchacha a que disfrute antes de las canas ("Coged de vuestra alegre primavera/ el dulce fruto antes que el tiempo airado/ cubra de nieve la hermosa cumbre"), termina (el terceto final de un soneto siempre ha de ser contundente) con una reflexión triste pero elegante, comedida: "Marchitará la rosa el viento helado,/ todo lo mudará la edad ligera/ por no hacer mudanza en su costumbre".

Góngora en 1582 (con 21 años no sé si cumplidos) enfoca su soneto no sólo comparando el cabello, los labios, la frente y el cuello con cosas hermosas de la naturaleza, sino estableciendo una competición en la que gana la mujer (a cada labio por cogerlo "lo siguen más ojos que al clavel temprano", etc). Pero lo chulo verdaderamente es el terceto final, uno de cuyos versos (el último) ha cautivado a miles de poetas y estudiosos around the world. No es ya sólo que haya que tomar nota del paso del tiempo, avisado por el mero transcurrir de los días ("Cada Sol repetido es un cometa" dice en otro memorable poema). No es ya que la edad vaya a marchitar la belleza, "no ya en plata o viola troncada (violeta tronchada)/ se vuelva"; sino que, además, "tú y ello juntamente" os convertiréis... Y viene ahora (no del todo "bien ordenada", como se ha discutido a veces) esa gradación dramática con cinco golpes de timbal de oda fúnebre barroca: "En tierra, en humo, en polvo, en sombra, en nada".

Mientras por competir con tu cabello,
oro bruñido al sol relumbra en vano;
mientras con menosprecio en medio el llano
mira tu blanca frente el lilio bello;

  mientras a cada labio, por cogello.                   5
siguen más ojos que al clavel temprano;
y mientras triunfa con desdén lozano
del luciente cristal tu gentil cuello:

  goza cuello, cabello, labio y frente,
antes que lo que fue en tu edad dorada                  10
oro, lilio, clavel, cristal luciente,

  no sólo en plata o vïola troncada
se vuelva, mas tú y ello juntamente
en tierra, en humo, en polvo, en sombra, en nada.

La ópera de la vida bohemia

2010-10-31T11:52:00.000+01:00

[29 de octubre de 2010. Giacomo Puccini, La Bohéme. José Luis Castro, dirección escénica. Giuliano Spinelli, escenografía. Irene Monti, vestuario. Vinicio Cheli, iluminación. Carlos Cosías, Rodolfo; Yolanda Auyanet, Mimí; Ángel Odena, Marcello; Sabina Puértolas, Musetta; Francisco Santiago, Colline; José Antonio López, Schaunard; Enric Martínez-Castignani, Benoit y Alcindoro; Pablo García López, Parpignol. Coro de Ópera “Cajasur”; Diego González Ávila, director. Banda de Alumnos del Conservatorio Superior de Música de Córdoba. Coro de Niños del Conservatorio Profesional de Córdoba; Juan Manuel Ortiz, director. Orquesta de Córdoba; Marco Zambelli, director musical. Una coproducción del Palacio de Festivales de Cantabria y el Gran Teatro de Córdoba. Gran Teatro de Córdoba. 21:00 horas. Lleno]

Un poco deslucida por las tres largas pausas (interminable la última) entre actos, la versión de La Bohème presentada el viernes, arranque de la Temporada Lírica del Gran Teatro, resultó más que notable en todo lo demás.

Un planteamiento escénico de buen gusto, trasladando la historia de los famosos bohemios parisinos a los años veinte del pasado siglo, permitía seguir la historia con facilidad, a la vez que subrayaba eficazmente las diferentes atmósferas emocionales de la ópera. Especialmente logrados me parecieron los decorados y movimiento escénico de los contrastantes actos dos y tres, que nos llevan de la alegría sensual del Barrio Latino a la atmósfera depresiva de Los Miserables. También interesante, e igualmente inspirado en la pintura de entreguerras (aunque recuerde a Mary Poppins), es el decorado de chimeneas del comienzo, el mismo que, al parecer, tanto tiempo costó reponer para el último acto. Insisto en esto porque las pausas forman parte del espectáculo; y me parece que ésta, especialmente, jugó claramente en contra de la emoción del público.

Musicalmente, los muchos encantos con que Puccini logró sublimar y hacer creíbles y perdurables las a veces disparatadas peripecias de un libreto mediocre brillaron sin problemas: excelente el joven elenco vocal, en el que hay que destacar especialmente a la pareja protagonista (Carlos Cosías y Yolanda Auyanet); e igualmente magníficas las intervenciones del Coro de Ópera Cajasur y de los dos conjuntos (el coro de niños y la pequeña banda) con que nuestros conservatorios profesional y superior se sumaron al evento. Sobresaliente la Orquesta de Córdoba y su director para la ocasión: el genovés Marco Zambelli.

Antonio Torralba

[Publicado hoy en El Día de Córdoba]

Qué cabronazo el Juan de Tarsis

2010-10-30T12:51:00.000+02:00

Al Conde de Villamediana se atribuye este soneto a Córdoba, que ha perdido gran actualidad...

Gran plaza, angostas calles, muchos callos;

obispo rico, pobres mercaderes;

buenos caballos para ser mujeres,

buenas mujeres para ser caballos.

Casas sin talla, hombres como tallos;

aposentos colgados de alfileres;

Baco descolorido, flaca Ceres,

muchos Judas y Pedros, pocos gallos;

Agujas y alfileres infinitos;

una puente que no hay quien la repare;

un vulgo necio, un Góngora discreto;

un San Pablo entre muchos sambenitos:

esto en Córdoba hallé; quien más hallare,

póngaselo a la cola a este soneto.

Ha perdido actualidad porque los hombres ahora estamos gordos como zollos.

Góngora músico 2

2010-10-29T10:23:00.000+02:00